A letto dopo Carosello!
Quante volte ci siamo sentiti ripetere questa frase? Dalle nostre mamme, dai nonni o dai racconti di chi si ricorda bambino davanti alla televisione ad aspettare impaziente che iniziasse il Carosello.
- Carosello ha educato i nostri figli, è stato, dal lontano 1957, un appuntamento e una pausa nell’angoscia quotidiana – Enzo Biagi (1976)
Il programma televisivo italiano nacque nel 1957 e divenne subito un grande successo fra tutte le famiglie italiane che ogni sera si riunivano davanti alla tv. La struttura di Carosello lo rendeva accattivante e divertente: in dieci minuti, divisi in tanti sketch di circa due minuti l'uno, si intervallavano pause musicali, scene teatrali, disegni animati e, ovviamente, messaggi pubblicitari.
La nascente società dei consumi incontrava la tradizione popolare proprio grazie a Carosello: gli ultimi secondi dello sketch erano, infatti, dedicati esclusivamente alla pubblicità di un determinato prodotto. Ne è un esempio lampante Calimero: come non ricordarsi del piccolo pulcino nero e del suo motto: “ É un'ingiustizia però”?
Calimero nasce nel 1963 a Milano dalla fantasiosa matita dei fratelli Nino e Toni Pagot, insieme a Ignazio Colnaghi. Nel 1962 la Mira Lanza, per la pubblicità di alcuni suoi detersivi, commissionò ai Pagot un personaggio che potesse ispirare tenerezza a mamme e bambini.
Appare per la prima volta durante Carosello, il 14 luglio del 1963: la storia raccontava la disavventura del pulcino piccolo e nero, che essendo caduto in una pozzanghera, si sporca e non viene riconosciuto dalla madre, la gallina Cesira. Calimero si ritrova a girovagare alla ricerca della sua famiglia e vive una serie di disavventure da cui il famoso “É un'ingiustizia però!”. Alla fine del Carosello, il nostro eroe sventurato incontra l'Olandesina che, vedendolo tutto sporco, lo immerge in una tinozza piena di detersivo facendolo tornare bianco ed affermando “Tu non sei nero, sei solo sporco!”.
Nel corso degli anni la notorietà di Calimero è andata via via crescendo e, ancora oggi, mantiene il suo successo a livello mondiale: dall'Europa fino in Oriente, dove è amatissimo in Giappone come testimonia la serie dei cartoni animati prodotti in collaborazione con la RAI.
Se riflettiamo bene, è facile intuire come il “metodo Carosello” sia tornato in auge nel marketing attuale: proporre un prodotto non in maniera didascalica, ma come parte di un contenitore ben più strutturato che possa offrire un'esperienza emozionale più profonda. Vediamo quindi Facebook, Amazon, Nike, e molti altri, produrre web series e brevi puntate per promuoversi oltre il classico spot.
Benvenuto nel nuovo millennio Carosello!
CALIMERO, COME ERAVAMO
Collezionismo e arte a Milano
inaugurazione giovedì 1 dicembre
dalle ore 18.30, in via Pisacane 36 a Milano
in mostra fino al 31 dicembre
Disegni originali disponibili qui
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LEONARDO DA VINCI: L'UOMO RINASCIMENTALE PER ECCELLENZA
Giovedì 6 ottobre 2016, dalle ore 18.30, la galleria Pisacane Arte e ContainerLab Association inaugurano la mostra "Leonardo da Vinci e i Contemporanei": un'importante rilettura dell'opera pittorica e tecnica di Leonardo da Vinci.
Dopo il successo della mostra esposta presso Palazzo Martinengo a Brescia, l'esposizione approda, fino al 30 ottobre, a Milano, città che accolse lo stesso Leonardo e che è ricca di testimonianze del suo passaggio.
“Uomo rinascimentale” per eccellenza, Leonardo da Vinci (1452 - 1519) incarnò in pieno lo spirito della sua epoca. Si occupò di architettura, pittura e scultura, fu disegnatore, ritrattista, sce- nografo, anatomista, musicista, progettista e inventore. Genio illimitato dallo stile arioso e delicato, destinato a rivoluzionare profondamente l’arte italiana.
Toscano di nascita e formazione, nel 1482 si trasferì a Milano dove lavorò al servizio della Corte fino al 1498, quando i francesi conquistarono il potere: la città, al centro di una regione potente e in espansione, era una delle poche in Europa a superare i centomila abitanti.
Doveroso ricordare le opere che Leonardo vi realizzò: la Vergine delle rocce (1486 ca), la Dama con l’ermellino (1485), Ritratto di Dama o Belle Ferronnière (1490- 95 ca) e il dipinto nel refettorio di Santa Maria delle Grazie dedicato all’Ultima Cena (1495-97).
Gli Sforza coinvolsero l’artista anche in altri importanti progetti già in corso, come la costruzione del Duomo, per il quale eseguì diversi studi, ora testimoniati dai disegni conservati nei musei, e soprattutto l’ampliamento dei Navigli.
Questi ultimi consistono in una rete di canali navigabili, la cui costruzione iniziò nel XII secolo con lo
scopo di mettere in comunicazione Milano con il Lago Maggiore, il Lago di Como e il basso Ticino. Leonardo perfezionò il sistema delle conche del Naviglio della Martesana (realizzato per volontà di Francesco Sforza a partire dal 1457) attraverso l’utilizzo di portoni ad angolo e portelli aperti per il deflusso delle acque.
Inoltre, Francesco I gli commissionò durante il suo secondo soggiorno milanese (1508-1513), un progetto per il collegamento diretto di Milano con l’Adda. Le due possibili soluzioni pensate da Leonardo, che sono conservate nel Codice Atlantico presso la Biblioteca Ambrosiana, risultarono troppo ardite per l’epoca.
Interessante il particolare del Monumento a Leonardo da Vinci (1872) dello scultore Pietro Magni, che si trova in Piazza Scala, nel quale lo scienziato mostra le conche del naviglio a Ludovico il Moro (esiste a proposito anche un dipinto del 1860 di Cherubino Cornienti).
A Milano, il genio toscano riuscì quindi a mostrare tutte le sue facce e ad esprimere al massimo i suoi molteplici talenti.
LEONARDO DA VINCI E I CONTEMPORANEI
inaugurazione giovedì 6 ottobre, dalle ore 18.30
in mostra fino al 30 ottobre
Per info sulla mostra: galleria@pisacanearte.it
Le opere esposte: clicca qui
Leggo il comunicato stampa: clicca qui
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Salvador Dalì: IL DELIRIO COMMESTIBILE
Sarà forse il divieto infantile di oltrepassare la porta della cucina, dove le anziane domestiche catalane preparavano succulente prelibatezze? L’amore incondizionato per la sua terra, la Catalogna, e tutte le sue tradizioni? O forse la sua tendenza ad amare tutto ciò che rappresentasse passione e piacere?
Il gusto per la vita, sempre in bilico tra godimento estetico e bellezza da una parte e vizio e peccato dall’altra, è una peculiarità di Salvador Dalì, celebre rappresentante del movimento surrealista.
Personalità eccentrica, estrosa e geniale, egli manifesta nel corso di tutta la sua esistenza e soprattutto attraverso le sue opere, una smaniosa e famelica ossessione gastronomica, un vero e proprio delirio commestibile, come lo definisce lui.
All’età di sei anni già desiderava diventare una cuoca per godere quotidianamente “dell’odore dell’uva da vino, del grasso caldo, della pelle strappata dalle cosce di coniglio, dei rognoni e della maionese”. Per Dalì i profumi, i sapori, la consistenza delle pietanze catalane hanno un nonsoché di eccitante e seducente, conditi da un pizzico di provocante erotismo. “La mia pittura è gastronomica, spermatica, esistenziale”.
Nell’evoluzione artistica di Dalì, l’associazione tra il cibo e i soggetti che animano i suoi capolavori è persistente. Forse non tutti sanno che alcune tra le più celebri opere dell’artista si ispirano proprio ai piaceri della tavola. Attraverso una riproduzione fedele, quasi fotografica di elementi commestibili, Dalì suggerisce metafore dell’esistenza e dell’animo umano.
Così i celebri Orologi Molli sono la trasposizione dell’ipermollezza del formaggio Camembert in una sera d’agosto, allegoria della relatività del tempo, in contrasto con la durezza della realtà quotidiana.
“A completamento della cena avevamo mangiato un Camembert molto forte e, dopo che tutti se ne furono andati, io rimasi ancora a lungo seduto a tavola, a meditare sul problema filosofico dell’”ipermollezza” posto da quel formaggio”
Le braccia di Gala, conserte sotto il seno, nel quadro Galarina, rimandano al cestino del pane (simbolo della vita terrena). Così come le spalle dell’amata moglie si trasformano in costolette suggerendo il suo “divertimento nel mangiarla”.
Nel dipinto Uova al tegame senza tegame vediamo rappresentate le radici del suo amore
viscerale per il cibo: simbolo primordiale e intrauterino che Dalì afferma di aver assimilato ancor prima di nascere, quando ancora, dall’utero della madre percepiva “quelle uova grandiose, fosforescenti e disegnate con precisione […] che si avvicinavano a me, retrocedevano, si muovevano verso destra, verso sinistra, in su e poi in giù”.
Un piacere carnale per il cibo, metafora di ardente passionalità, che il genio spagnolo rappresenta attraverso immagini e simboli di forte impatto, che a volte rischiano di apparire sgradevoli all’occhio dell’osservatore. Tutte queste sensazione le proviamo anche davanti ad alcuni dei piatti proposti nelle illustrazioni dei libri Les Diners de Gala (1974) e Les Vins de Gala (1978).
Questi rari testi dedicati al mondo culinario sono stati curati proprio da Salvador Dalì: il primo si intitola Les Diners de Gala (1974) e presenta 136 stravaganti ricette, mentre il secondo Les Vins de Gala (1978) e racconta i più grandi vini del mondo
attraverso lo stile surrealista.
Gala Eluard Dalì
“Amo Gala più di mia madre, più di mio padre, più di Picasso e
perfino più del denaro” Salvador Dalì
Helena Devulina Diakonoff, nota come Gala Eluard, è stata amante, moglie, modella, musa ispiratrice, angelo custode e figura salvifica nella vita di Salvador Dalì.
Il loro primo incontro risale al 1929, anno in cui un gruppo di intellettuali e pittori surrealisti (tra cui Luis Buñuel, René Magritte e Paul Eluard) si reca a Cadaqués a conoscere l’eccentrico e stravagante genio catalano che l’anno precedente aveva firmato il Manifesto Antiartistico.
Per Dalì, l’apparizione di Gala fu una vera e propria folgorazione. La identificò fin dal primo istante come la donna dei suoi desideri, quella che aveva sempre sognato, anelato, voluto. Fisicamente perfetta e seducente, così affascinante, fiera, sicura di sé; la donna angelo, un ideale, un mito o forse una divinità.
Dal primo incontro Dalì non ebbe alcun dubbio: Gala sarebbe stata la sua donna, nonostante fosse la sposa del letterato Paul Eluard. Il suo squilibrio mentale e il suo isterismo confermavano la sua volontà: ogni volta che Gala compariva, l’artista veniva colto da risa incontrollabili, si contorceva, si buttava per terra e rideva, rideva nervosamente.
E fu così, in perfetto stile daliniano, che dopo aver appurato che la presunta coprofagia dell’artista fosse pura provocazione fine a se stessa, Gala promise amore eterno a Dalì. Donna dalla forte personalità, figlia di un avvocato russo, sicura di sé, amante dell’arte, di tutto ciò che suscitava piacere e godimento e inseparabile dal denaro, Gala divenne la salvezza fisica e mentale di Dalì: “Così lei mi levò l’abitudine a delinquere e guarì la mia follia. Grazie! Voglio amarti! Voglio sposarti!”.
I sintomi isterici sparirono, fu nuovamente padrone della sua risata: ”Al centro del mio spirito crebbe una nuova forma di salute, fresca come un bocciolo di rosa”. Gala fu la musa ispiratrice di Dalì, dipinta in innumerevoli suoi quadri. Mitizzata, divinizzata, idealizzata; raffigurata come Madonna, come dea, come divinità, circondata da simbologie mistiche e erotiche. Egli nutriva per lei un amore incondizionato, devozione, enfasi, quasi una sorta di amorevole soggezione.
Divenne passione, necessità fisica, dipendenza psicologica, custode del suo equilibrio mentale ed emotivo; guaritrice del suo corpo e della sua fragile psiche, in grado di dare sicurezza e stabilità a una personalità apparentemente eccentrica e forte, ma che in realtà celava un’inguaribile squilibrio. “Grazie Gala! È per merito tuo che sono un pittore. Senza di te non avrei mai creduto ai miei doni”.
Moglie, madre, amante, una freudiana mamma gravida del proprio figlio Salvador: ”Gala viene a baciarmi prima che mi addormenti. È il miglior bacio e il più dolce di tutta la mia vita”.
Quando Gala morì, nel 1982, egli la fece imbalsamare e seppellire nel Castello di Púbol, dove si ritirò travolto da un inesorabile declino fisico e mentale. Smise di dipingere e tentò di togliersi la vita per disidratazione e allo stesso tempo di trasformarsi in uno stadio biologico in grado di donargli l’immortalità. Senza Gala, lo squilibrio mentale tornava a prendere il sopravvento su di lui.
Il catalogo completo delle opere disponibili: www.pisacanearte.it
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